Illia Ovcharenko

About this Concert

Ukrainian pianist Illia Ovcharenko, one of the world’s most celebrated young artists, electrified our Halifax audience with his stunning performance two years ago, and now he returns to share his artistry once again. Winner of the prestigious Honens International Piano Competition, Illia's breathtaking technique and emotional depth transcend the traditional boundaries of classical performance. He has captivated audiences at venues including Carnegie Hall and the Konzerthaus Berlin, and with orchestras like the Toronto Symphony Orchestra. His richly expressive program features five lyrical and rarely heard works by Sergei Bortkiewicz, including the poetic "Etude" and "Lied Ohne Worte" from “4 Klavierstücke,” and the nocturne-like "Diana" from “3 Pieces.” Also included are Frédéric Chopin’s sparkling “3 Waltzes,” his introspective “Nocturne in E minor,” and the dramatic brilliance of his “Scherzo No. 2 in B-flat minor.” Franz Liszt’s virtuosic solo piano transcription of Beethoven’s “Symphony No. 7 in A major” brings orchestral grandeur to the program through the hands of a single artist. With a passion for romantic repertoire and an innate ability to connect with listeners, Illia’s second Halifax performance offers an intimate and transformative musical experience. Season Sponsor: Nice Moves / Red Door Realty.

This performance is made possible with the generous support of Colleen McCarville and Ryan Church.

ARTIST: Illia Ovcharenko, piano

MAIN STAGE CONCERTS SERIES

About the Program

Sergei Bortkiewicz (1877-1952)

Sergei Bortkiewicz was born in Kharkov in the Tsarist Russian Empire (now the Ukrainian city of Kharkiv) into a family of Polish nobility. His life was thrown into turmoil time and again by tumultuous world events – including two world wars and the Russian Revolution. His mother was an accomplished pianist and co-founder of the Kharkov Music School and he began his music studies there, focusing mainly on piano. Visits to the school by Tchaikovsky and Anton Rubenstein influenced his tastes and the subsequent direction of his music. However, to please his father, Bortkiewicz enrolled in the law faculty at the university in St. Petersburg, but he also took classes at the conservatory there. In 1900, after a year of military service, he decided to devote himself to music and travelled to Germany to study at the Leipzig Conservatory. In 1904, realizing that he was not a “pianistic genius”, Bortkiewicz turned seriously to composing. He settled in Berlin and found a German publisher who promoted his music. At the onset of World War I, he was arrested and deported to Russia; however, at the end of the war, he was caught up in the Russian Revolution when the Red Army invaded the family estate. He and his wife escaped to Constantinople where he found employment at the court of the Sultan, playing his music at the court and at many Embassies. He left Constantinople in 1922, just ahead of the overthrow of the Sultan and the establishment of the Turkish Republic. He arrived in Vienna, where he remained for the rest of his life. He continued to compose, conduct and teach there until his death at the age of seventy-five.

4 Klavierstücke, op.65

'Etude'
'Lied Ohne Worte'

Althought Bortkiewicz composed two symphonies, an opera, a ballet score and a dozen sets of lieder, the vast bulk of his output was for solo piano. Like Chopin, his piano works are intimate and more designed for the salon than the large concert hall. The 4 Klavierstücke (Four Pieces for Piano) Op 65, are the last known surviving works by Bortkiewicz and were published in 1947, five years before the composer’s death. 1947 was an auspicious year for Bortkiewicz; it marked his twenty-fifth year as a resident of Vienna, as well as his seventieth birthday. It also marked the formation of “The Bortkiewicz Society” created by a group of admirers for the purpose of encouraging the dissemination and performance of his music. The Society had monthly concerts which often featured Bortkiewicz himself at the piano. The publication of the 4 Klavierstücke was probably arranged as part of the celebration, as the “Etude” was premiered at the December concert that year. The “Etude” is a bright, graceful piece with the tempo marking of allegro vivace. “Lied Ohne Worte” (“Song Without Words) shows off Bortkiewicz melodic gifts. It is salon music of the highest order.

'Prelude' from 3 Pieces, op.6

Bortkiewicz op. 6 was composed in 1908, early in his compositional career. In Leipzig, he had studied with two men who had been pupils of Franz Liszt, so it is not surprising that Bortkiewicz's piano style was very much based on Liszt, as well as Chopin. He was nurtured by the music of Tchaikovsky, Rachmaninoff, early Scriabin, and by Ukrainian folklore. This “Prelude” is sombre in tone, perhaps feeling more like a nocturne, although there is a suggestion of sunlight near the close. Although a listener can hear the influence of the great Romantic pianists, Bortkiewicz was not merely an imitator — he very much had his own style that drew upon all the influences of his life and that can be immediately recognized as a typically Bortkiewicz tone: lyrical and nostalgic.

Etude no.3, 'La brune' from 12 Etudes nouvelles, op.29

The 1920s were a time of musical ferment. Composers were exploring new sonic territories and incorporating new rhythms. Bortkiewicz, however, described himself as a romantic and a melodist, and he had an emphatic aversion for what he called modern, atonal and cacophonous music. In 1924, the year he composed and published 12 Etudes nouvelles, Bortkiewicz was settled in Vienna where he composed, performed and taught at the Vienna Conservatory. He produced close to two hundred pieces for solo piano over his forty-five year compositional career unaffected by the music trends of the 20th century. “La Brune” is marked “appassionato”; it is energetic, lyrical and passionate.

Nocturne, 'Diana', from Trois Morceaux, op.24

Bortkiewicz composed the Trois Morceaux, op.24 in 1922, while he was in Constantinople. The “Nocturne, ‘Diana’” was dedicated to Natalie Chaponitsch, wife of the Jugoslavian Ambassador to the Ottoman court. It is easy to imagine Bortkiewicz playing it at an embassy’s glittering soiree. His workmanship is, as always, meticulous, his imagination colourful and sensitive. The result is music that is lyrical, graceful, romantic and wonderfully civilized.

Frederic Chopin (1810-1849)

Frederic Chopin is almost the archetype of the Romantic artist as hero. Starting with the Oscar winning A Song to Remember in 1945, there have been five major film treatments of his life – the most recent being the 2025 Polish release, Chopin: A Sonata in Paris. He has also been the subject of a feature documentary. His notoriety is due in part to his biography. Born to a French father and a Polish mother, he was raised in Warsaw. A child prodigy, at age seven he began giving concerts and composing (his two earliest polonaises date from this time). By the time he left Warsaw for the last time, as a twenty year old, he was highly regarded as a composer and pianist throughout continental Europe. In addition to being a gifted artist, Chopin was a Polish patriot. Shortly after his departure from Poland in 1830, the November Uprising took place, as Poles rose up against their Russian overlords. The revolution was crushed during the Battle of Warsaw in 1831, but the events led to a change in Chopin’s music. Friends in Paris who stopped him from returning to Warsaw to take up arms reported that “he thunderbolts on the piano at night”, and he began to introduce dark tones and violent contrasts in his music. His Revolutionary Etude was composed shortly after these events. And then there is his legendary affair with the novelist, Aurore Dupin (better known by her pen name of “George Sand”). Their winter together on the Mediterranean island of Mallorca was the most productive period of Chopin’s career, but the relationship was a tempestuous one and did not last. Chopin never enjoyed robust good health; he died at the age of thirty-nine from the tuberculosis that had plagued him for a good part of his adult life. A gifted artist, revolutionary patriot, and passionate lover who died young; it is no surprise that Chopin lives as a romantic hero in the popular imagination. And then there is the music!

3 Waltzes, op.34

i. Waltz in A-flat major, Op. 34 No. 1 “Valse brillante”
ii. Waltz in A minor, Op. 34 No. 2
iii. Waltz in F major, Op. 34 No. 3

The waltz began as a peasant dance in the sixteenth century, and was considered scandalous as couples held each other so close that their faces touched. In eighteenth century Vienna, the waltz ascended to the upper classes; while the minuet was known for its stateliness, the waltz was considered simpler and less sophisticated which was one of the factors contributing to its popularity. Franz Schubert was the first major composer to write sets of waltzes. His First Waltzes was perfect music for the home: simple waltzes for the piano that could be played while your sisters and brothers danced and practised before going out to display them in public. With Chopin, the history of the waltz took another turn. His waltzes were written specifically for the salon recital rather than the ballroom and are frequently at rather faster tempos than their dance-floor equivalents. The three waltzes that compose opus 34 were written between 1834 and 1838. The first of the three opens with with a pianistic fanfare introducing the glittering melodic theme that carries the piece through to its climax. By contrast, Waltz number 2 is reflective. The tone conveys a sense of nostalgia, perhaps a sense of loss, and ends in quiet resignation. Marked “vivace” the third waltz is spirited and infectious. It has been called “the cat’s waltz.”

Nocturne in E minor, op. posth.72 no.1

This Nocturne was published posthumously, six years after Chopin’s death. Most Chopin experts date its composition from 1826 or 1827 when the composer was a seventeen year old student at the Warsaw Conservatory. The “nocturne”, as a genre, was created by the Irish composer and pianist, John Field. Inspired by, or evoking the night, it is romantic music characterized by a lyrical, song-like melody in the right hand over a flowing, arpeggiated accompaniment in the left. Field published his first set of “Nocturnes” in 1812, and, while based in St. Petersburg, frequently toured parts of the Tsarist domains, which, at the time, included Warsaw. There is no evidence that Chopin would have met Field, or attended one of his performances, but there is a clear alignment of temperament, and Chopin took Field’s creation, popularized it, and created a series of masterpieces. Although an early work, Chopin’s first Nocturne clearly masters the form, ushering the listener into a world of dreams and allusions.

Scherzo No.2 in B-flat minor, op.31

The second of Chopin’s four scherzos was written and premiered in 1837. Critics were rapturous in their response. One found it evocative of Mona Lisa’s thoughtfulness, another praised its “ecstatic lyricism”, while a third extolled the “demonic accents in this fiery poem”. The Scherzo is big and bold with a wide emotional range. It is at times bold and aggressive, at times buoyantly lyrical. Moments of reflection are interwoven with those of dramatic defiance. As Orrin Howard of the Los Angeles Philharmonic notes, “Chopin sets the final pages ablaze with an unbridled passion that is the antithesis of the pale Chopin whose reputation is for some based on moon-drenched nocturnes and tender waltzes. This is brilliant, big-boned Chopin, muscular music handled with structural integrity.” The Scherzo is music of Chopin the passionate lover and revolutionary patriot.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827)/Franz Liszt (1811-1886)

Symphony no.7 in A major, S.464/7

i. Poco sostenuto – vivace
ii. Allegretto
iii. Presto
iv. Allegro con brio

Beethoven’s nine symphonies are icons of Western culture. Certain phrases and themes contained in them are etched in our minds. The opening four notes of the Fifth Symphony, for example, are so familiar that they are almost a cliche. One could be forgiven for believing that they have always existed in nature rather than having sprung from a human mind. Although it is performed less frequently than the Fifth or the Ninth, Beethoven himself felt that the Seventh Symphony was his best, calling it his “most excellent symphony”. Beethoven composed the work over a period in 1811 and 1812 while seeking a rest-cure at the Bohemian spa town of Teplitz. It had been three years since he had completed and premiered his Sixth and he was living with an awareness of his growing deafness as well as facing health problems. While the work was completed in 1812, it did not receive its premiere until Beethoven himself conducted it at a charity concert for soldiers wounded at the Battle of Hanau in December of 1813. At the performance Beethoven announced "We are moved by nothing but pure patriotism and the joyful sacrifice of our powers for those who have sacrificed so much for us.” The piece was an immediate success. In fact, the second movement had to be encored in response to the audience’s acclaim. It was performed three more time within the first two months of the premiere, thus easing the composer’s slightly straitened financial circumstances.

Franz Liszt was one of the rock stars of classical music’s Romantic Era. He was a child prodigy. At the age of eleven, his teacher, Carl Czerny, himself a former student of Beethoven, took Liszt to see the old man in Vienna. Liszt played a Bach fugue for him and when Beethoven asked if he could transpose it to another key, young Liszt immediately complied. Liszt then asked to play one of Beethoven’s own works, and the master nodded his approval. There is a story – perhaps originated by Liszt himself – that Beethoven then kissed him on the forehead, a sign of his blessing. Liszt later described it as “the proudest moment of my life” and used the legend of the encounter to shape his own career as an interpreter of Beethoven’s work. The pinnacle of achievement in this regard is his transcription of all nine symphonies for performance by solo piano. This is a Herculean accomplishment. Liszt completed his transcription of the Seventh Symphony in 1837 and it is highly likely that he performed it during his concert tours across Europe over the next several years. Critics have noted the remarkable faithfulness of Liszt’s versions to the original. Liszt had asserted the piano could convey “the entire scope of the orchestra” and the “harmony of 100 players” and his Beethoven transcriptions contain the structure, harmony, and tone of an orchestra at their very best.

Program notes by Larry Bent

About the Artist

When he was 6-years-old and living in Chernihiv, Ukraine, Illia Ovcharenko’s mother took him to hear a performance of Tchaikovsky’s first piano concerto. After the concert, Illia told his mother he wanted to be a pianist when he grew up.

Today, just a dozen years later, Illia Ovcharenko is one of the world’s most celebrated young pianists, playing concerts all over the world.

Most recently, he won the Honens International Piano Competition in Calgary, Canada—a competition that seeks to identify the “Complete Artist”—someone who demonstrates technical mastery, perseverance against adversity, and an understanding of musical text that is both intellectual and emotional. He’s also won top prizes at the Busoni and Horowitz competitions.

There wasn’t a lot of music in Illia’s household when he was growing up. Mom is a computer engineer, and Dad is an athlete and coach. But, there was an old upright piano in the corner of the living room, and Illia started plunking away as soon as he could reach the keys. He took singing lessons at 6-years-old, began formal piano studies at 9, and gave his first concert at 12 on the stage of the National Philharmonic of Ukraine.

His parents weren’t sure music was a terrific career path, but they encouraged his success. At 13, Illia went to study in Kyiv at a special high school for gifted musicians and later moved to Tel Aviv. He’s currently living in Hannover, Germany, where he’s finishing a master’s program with his longtime mentor, Arie Vardi. At the same time, Illia is a long time recipient at the International Musikakademie Liechtenstein.

For Illia, the piano is a real friend, sometimes filling him with joy, sometimes serving as a painkiller. The piano reveals who he is, to himself and to an audience.

He thrives on live performance, feeling as if two souls—his and the composer’s—are united together on stage. He’s most at home playing romantic repertoire.

Off the stage, Illia loves athletics (Roger Federer is an idol) and practices origami.

In the future, Illia hopes to combine teaching with an international touring career.

He has appeared as a soloist with orchestras including the Deutsche-Symphonie Orchester Berlin, Israel Philharmonic, Edmonton Symphony, San Antonio Philharmonic, Orchestre National d’Île de France, the Orchestra of La Monnaie, the Toronto Symphony, I Pomerrigi Musicali, Calgary Philharmonic, in recital at venues including Carnegie Hall, the Elbphilharmonie Hamburg, Konzerthaus Berlin, Sendesaal in Hannover, Salle Bourgie in Montreal, Koerner Hall in Toronto and Salle Cortot in Paris.

Highlights of Ovcharenko’s 2025-26 season include performances at Wigmore Hall in London; Philharmonie de Paris, Klavierfestival “Le Piano Symphonique,” in Lucerne, Switzerland; National Polish Radio Symphony Orchestra in Katowice, Poland; Concertgebouw Amsterdam; Konzerthaus Berlin; Nova Scotia Symphony; and Bravo! Vail Music Festival. He will also perform on tour with the Orchestre National d’Île-de-France and the Youth Symphony Orchestra of Ukraine. The season will also see the release of the debut concerto recording on Pentatone label. His latest recital album, Litany, was released on the Discauvers label; Classique c’est cool praised Ovcharenko’s “very intelligently constructed program,” and the pianist’s “perfectly mastered technique.” The album also received five diapasons in Diapason and was praised by Pianiste magazine.

“I’m so happy when people hear me play and say I brought something new to their life or let them forget about their current troubles,” he says. “Playing the piano is usually a much better way of communicating since there is something intimate involved in this process.”

Illia Ovcharenko

À propos de ce concert

Le pianiste ukrainien Illia Ovcharenko, l'un des jeunes artistes les plus célèbres au monde, a électrisé notre public d'Halifax avec sa performance époustouflante il y a deux ans, et il revient aujourd'hui pour partager son art une fois de plus. Lauréat du prestigieux concours international de piano Honens, Illia possède une technique à couper le souffle et une profondeur émotionnelle qui transcendent les frontières traditionnelles de l'interprétation classique. Il a captivé le public dans des salles comme le Carnegie Hall et le Konzerthaus de Berlin, et avec des orchestres comme le Toronto Symphony Orchestra. Son programme richement expressif comprend cinq œuvres lyriques et rarement entendues de Sergei Bortkiewicz, dont les poétiques « Etude » et « Lied Ohne Worte » tirés de « 4 Klavierstücke », et le nocturne « Diana » tiré de « 3 Pieces ». On y trouve également les pétillantes « 3 valses » de Frédéric Chopin, son introspectif « Nocturne en mi mineur » et l'éclat dramatique de son « Scherzo n° 2 en si bémol mineur ». La transcription virtuose pour piano solo de Franz Liszt de la « Symphonie n° 7 en la majeur » de Beethoven apporte au programme la grandeur orchestrale grâce aux mains d'un seul artiste. Avec sa passion pour le répertoire romantique et sa capacité innée à communiquer avec les auditeurs, la deuxième prestation d'Illia à Halifax offre une expérience musicale intime et transformatrice. Sponsor de la saison : Nice Moves / Red Door Realty.

Cette représentation est rendue possible grâce au soutien généreux de Colleen McCarville et Ryan Church.

ARTISTE : Illia Ovcharenko, piano

SÉRIE DE CONCERTS SUR LA SCÈNE PRINCIPALE

À propos du programme

Sergei Bortkiewicz (1877-1952)

Sergei Bortkiewicz est né à Kharkov, dans l'Empire russe tsariste (aujourd'hui la ville ukrainienne de Kharkiv), dans une famille de la noblesse polonaise. Sa vie a été bouleversée à plusieurs reprises par des événements mondiaux tumultueux, notamment deux guerres mondiales et la révolution russe. Sa mère était une pianiste accomplie et cofondatrice de l'école de musique de Kharkov, où il a commencé ses études musicales, en se concentrant principalement sur le piano. Les visites de Tchaïkovski et d'Anton Rubenstein à l'école ont influencé ses goûts et l'orientation musicale qu'il a prise par la suite. Cependant, pour faire plaisir à son père, Bortkiewicz s'est inscrit à la faculté de droit de l'université de Saint-Pétersbourg, mais il a également suivi des cours au conservatoire de la ville. En 1900, après un an de service militaire, il a décidé de se consacrer à la musique et s'est rendu en Allemagne pour étudier au conservatoire de Leipzig. En 1904, réalisant qu'il n'était pas un « génie du piano », Bortkiewicz se tourna sérieusement vers la composition. Il s'installa à Berlin et trouva un éditeur allemand qui fit la promotion de sa musique. Au début de la Première Guerre mondiale, il fut arrêté et déporté en Russie ; cependant, à la fin de la guerre, il fut pris dans la tourmente de la révolution russe lorsque l'Armée rouge envahit le domaine familial. Sa femme et lui s'enfuirent à Constantinople où il trouva un emploi à la cour du sultan, jouant sa musique à la cour et dans de nombreuses ambassades. Il quitta Constantinople en 1922, juste avant le renversement du sultan et la création de la République turque. Il arriva à Vienne, où il resta jusqu'à la fin de sa vie. Il continua à composer, diriger et enseigner jusqu'à sa mort à l'âge de soixante-quinze ans.

4 Klavierstücke, op.65

« Étude »
« Lied Ohne Worte »

Bien que Bortkiewicz ait composé deux symphonies, un opéra, une partition de ballet et une douzaine de recueils de lieder, la majeure partie de son œuvre est destinée au piano solo. À l'instar de Chopin, ses œuvres pour piano sont intimes et davantage conçues pour les salons que pour les grandes salles de concert. Les 4 Klavierstücke (Quatre pièces pour piano) op. 65 sont les dernières œuvres connues de Bortkiewicz et ont été publiées en 1947, cinq ans avant la mort du compositeur. 1947 fut une année propice pour Bortkiewicz : elle marqua ses vingt-cinq ans de résidence à Vienne, ainsi que son soixante-dixième anniversaire. Elle a également marqué la création de la « Société Bortkiewicz » par un groupe d'admirateurs dans le but d'encourager la diffusion et l'interprétation de sa musique. La Société organisait des concerts mensuels auxquels Bortkiewicz lui-même participait souvent au piano. La publication des 4 Klavierstücke a probablement été organisée dans le cadre de cette célébration, puisque l'« Étude » a été créée lors du concert de décembre de cette année-là. L'« Étude » est une pièce lumineuse et gracieuse, avec une indication de tempo allegro vivace. « Lied Ohne Worte » (« Chanson sans paroles ») met en valeur les talents mélodiques de Bortkiewicz. Il s'agit d'une musique de salon de très haut niveau.

« Prélude » extrait des 3 pièces, op. 6

L'op. 6 de Bortkiewicz a été composé en 1908, au début de sa carrière de compositeur. À Leipzig, il avait étudié avec deux hommes qui avaient été les élèves de Franz Liszt, il n'est donc pas surprenant que le style pianistique de Bortkiewicz s'inspire largement de Liszt, ainsi que de Chopin. Il a été nourri par la musique de Tchaïkovski, Rachmaninov, les premières œuvres de Scriabine et le folklore ukrainien. Ce « Prélude » est sombre, ressemblant peut-être davantage à une nocturne, bien qu'il y ait une suggestion de lumière du soleil vers la fin. Bien que l'auditeur puisse entendre l'influence des grands pianistes romantiques, Bortkiewicz n'était pas un simple imitateur : il avait un style très personnel, inspiré de toutes les influences de sa vie, et immédiatement reconnaissable comme un ton typiquement Bortkiewicz : lyrique et nostalgique.

Étude n° 3, « La brune » tirée des 12 Études nouvelles, op. 29

Les années 1920 ont été une période de fermentation musicale. Les compositeurs exploraient de nouveaux territoires sonores et incorporaient de nouveaux rythmes. Bortkiewicz, cependant, se décrivait comme un romantique et un mélodiste, et il avait une aversion marquée pour ce qu'il appelait la musique moderne, atonale et cacophonique. En 1924, année où il composa et publia les 12 Études nouvelles, Bortkiewicz s'était installé à Vienne où il composait, se produisait et enseignait au Conservatoire de Vienne. Il produisit près de deux cents pièces pour piano solo au cours de ses quarante-cinq années de carrière de compositeur, sans se laisser influencer par les tendances musicales du XXe siècle. « La Brune » est marquée « appassionato » ; elle est énergique, lyrique et passionnée.

Nocturne, « Diana », extrait des Trois Morceaux, op. 24

Bortkiewicz composa les Trois Morceaux, op. 24 en 1922, alors qu'il séjournait à Constantinople. Le « Nocturne, « Diana » » a été dédié à Natalie Chaponitsch, épouse de l'ambassadeur yougoslave à la cour ottomane. On imagine facilement Bortkiewicz le jouer lors d'une soirée fastueuse à l'ambassade. Son travail est, comme toujours, méticuleux, son imagination colorée et sensible. Il en résulte une musique lyrique, gracieuse, romantique et merveilleusement civilisée.

Frédéric Chopin (1810-1849)

Frédéric Chopin est presque l'archétype de l'artiste romantique en héros. Depuis le film oscarisé A Song to Remember en 1945, cinq longs métrages ont été consacrés à sa vie, le plus récent étant Chopin: A Sonata in Paris, sorti en Pologne en 2025. Il a également fait l'objet d'un documentaire. Sa notoriété est en partie due à sa biographie. Né d'un père français et d'une mère polonaise, il a grandi à Varsovie. Enfant prodige, il a commencé à donner des concerts et à composer à l'âge de sept ans (ses deux premières polonaises datent de cette époque). Lorsqu'il quitta Varsovie pour la dernière fois, à l'âge de vingt ans, il était déjà très apprécié en tant que compositeur et pianiste dans toute l'Europe continentale. En plus d'être un artiste doué, Chopin était un patriote polonais. Peu après son départ de Pologne en 1830, l'insurrection de novembre éclata, les Polonais se soulevant contre leurs suzerains russes. La révolution fut écrasée lors de la bataille de Varsovie en 1831, mais ces événements entraînèrent un changement dans la musique de Chopin. Ses amis parisiens, qui l'empêchèrent de retourner à Varsovie pour prendre les armes, rapportèrent qu'il « jouait du piano comme un fou furieux la nuit » et qu'il commença à introduire des tonalités sombres et des contrastes violents dans sa musique. Son Étude révolutionnaire fut composée peu après ces événements. Il y a aussi sa liaison légendaire avec la romancière Aurore Dupin (mieux connue sous son pseudonyme « George Sand »). L'hiver qu'ils passèrent ensemble sur l'île méditerranéenne de Majorque fut la période la plus productive de la carrière de Chopin, mais leur relation fut tumultueuse et ne dura pas. Chopin n'a jamais joui d'une santé robuste ; il est mort à l'âge de trente-neuf ans de la tuberculose qui l'avait tourmenté pendant une bonne partie de sa vie d'adulte. Artiste doué, patriote révolutionnaire et amant passionné mort jeune, il n'est pas surprenant que Chopin soit considéré comme un héros romantique dans l'imaginaire populaire. Et puis il y a la musique !

3 valses, op. 34

i. Valse en la bémol majeur, op. 34 n° 1 « Valse brillante »
ii. Valse en la mineur, op. 34 n° 2
iii. Valse en fa majeur, op. 34 n° 3

La valse est apparue au XVIe siècle comme une danse paysanne et était considérée comme scandaleuse, car les couples se tenaient si près l'un de l'autre que leurs visages se touchaient. Au XVIIIe siècle, à Vienne, la valse a fait son entrée dans les classes supérieures. Alors que le menuet était réputé pour sa majesté, la valse était considérée comme plus simple et moins sophistiquée, ce qui a contribué à sa popularité. Franz Schubert fut le premier compositeur majeur à écrire des séries de valses. Ses premières valses étaient parfaites pour la maison : des valses simples pour piano que l'on pouvait jouer pendant que ses frères et sœurs dansaient et s'entraînaient avant de les présenter en public. Avec Chopin, l'histoire de la valse prit un autre tournant. Ses valses ont été composées spécialement pour les récitals de salon plutôt que pour les bals et sont souvent jouées à un tempo plus rapide que leurs équivalents destinés aux pistes de danse. Les trois valses qui composent l'opus 34 ont été écrites entre 1834 et 1838. La première des trois s'ouvre sur une fanfare pianistique qui introduit le thème mélodique étincelant qui porte la pièce jusqu'à son apogée. En revanche, la valse n° 2 est plus contemplative. Le ton traduit un sentiment de nostalgie, peut-être même de perte, et se termine dans une résignation tranquille. Marquée « vivace », la troisième valse est entraînante et contagieuse. Elle a été surnommée « la valse du chat ».

Nocturne en mi mineur, op. posth.72 n°1

Cette Nocturne a été publiée à titre posthume, six ans après la mort de Chopin. La plupart des spécialistes de Chopin datent sa composition de 1826 ou 1827, alors que le compositeur était un étudiant de dix-sept ans au Conservatoire de Varsovie. Le genre « nocturne » a été créé par le compositeur et pianiste irlandais John Field. Inspirée par la nuit ou l'évoquant, cette musique romantique se caractérise par une mélodie lyrique et chantante à la main droite, accompagnée d'un arpège fluide à la main gauche. Field a publié son premier recueil de « Nocturnes » en 1812 et, alors qu'il était basé à Saint-Pétersbourg, il a fréquemment voyagé dans certaines régions de l'empire tsariste, qui comprenait à l'époque Varsovie. Il n'existe aucune preuve que Chopin ait rencontré Field ou assisté à l'un de ses concerts, mais il y a une évidente affinité entre leurs tempéraments, et Chopin s'est inspiré de la création de Field pour la populariser et créer une série de chefs-d'œuvre. Bien qu'il s'agisse d'une œuvre de jeunesse, la première Nocturne de Chopin maîtrise clairement la forme, entraînant l'auditeur dans un monde de rêves et d'allusions.

Scherzo n° 2 en si bémol mineur, op. 31

Le deuxième des quatre scherzos de Chopin a été composé et créé en 1837. Les critiques ont été enthousiastes. L'un d'eux y a vu une évocation de la mélancolie de Mona Lisa, un autre a loué son « lyrisme extatique », tandis qu'un troisième a exalté les « accents démoniaques de ce poème fougueux ». Le Scherzo est grandiose et audacieux, avec une large palette émotionnelle. Il est tantôt audacieux et agressif, tantôt joyeusement lyrique. Les moments de réflexion s'entremêlent avec ceux de défi dramatique. Comme le note Orrin Howard, de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles, « Chopin enflamme les dernières pages d'une passion débridée qui est l'antithèse du Chopin pâle dont la réputation repose pour certains sur des nocturnes baignés de lune et des valses tendres. C'est un Chopin brillant, charpenté, une musique musclée traitée avec une intégrité structurelle ». Le Scherzo est la musique de Chopin, l'amant passionné et le patriote révolutionnaire.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827)/Franz Liszt (1811-1886)

Symphonie n° 7 en la majeur, S.464/7

i. Poco sostenuto – vivace
ii. Allegretto
iii. Presto
iv. Allegro con brio

Les neuf symphonies de Beethoven sont des icônes de la culture occidentale. Certaines phrases et certains thèmes qu'elles contiennent sont gravés dans nos esprits. Les quatre premières notes de la Cinquième Symphonie, par exemple, sont si familières qu'elles en sont presque devenues un cliché. On pourrait croire qu'elles ont toujours existé dans la nature plutôt que d'avoir été composées par un esprit humain. Bien qu'elle soit moins souvent jouée que la Cinquième ou la Neuvième, Beethoven lui-même considérait la Septième Symphonie comme sa meilleure œuvre, la qualifiant de « symphonie la plus excellente ». Beethoven a composé cette œuvre entre 1811 et 1812, alors qu'il était en cure de repos dans la ville thermale bohémienne de Teplitz. Cela faisait trois ans qu'il avait terminé et créé sa Sixième Symphonie, et il vivait avec la conscience de sa surdité croissante et des problèmes de santé. Bien que l'œuvre ait été achevée en 1812, elle ne fut créée qu'en décembre 1813, lors d'un concert de bienfaisance organisé pour les soldats blessés lors de la bataille de Hanau, sous la direction de Beethoven lui-même. Lors de la représentation, Beethoven déclara : « Nous ne sommes mus que par un pur patriotisme et la joie de sacrifier nos forces pour ceux qui ont tant sacrifié pour nous. » L'œuvre connut un succès immédiat. En fait, le deuxième mouvement dut être repris en réponse aux acclamations du public. Elle fut jouée trois fois de plus au cours des deux premiers mois suivant la première, ce qui soulagea quelque peu la situation financière difficile du compositeur.

Franz Liszt était l'une des rock stars de l'ère romantique de la musique classique. C'était un enfant prodige. À l'âge de onze ans, son professeur, Carl Czerny, lui-même ancien élève de Beethoven, emmena Liszt voir le vieil homme à Vienne. Liszt joua une fugue de Bach pour lui et lorsque Beethoven lui demanda s'il pouvait la transposer dans une autre tonalité, le jeune Liszt s'exécuta immédiatement. Liszt demanda alors à jouer l'une des œuvres de Beethoven, et le maître acquiesça. Il existe une histoire – peut-être inventée par Liszt lui-même – selon laquelle Beethoven l'aurait alors embrassé sur le front, en signe de bénédiction. Liszt décrivit plus tard cet événement comme « le moment le plus fier de ma vie » et utilisa la légende de cette rencontre pour façonner sa propre carrière d'interprète des œuvres de Beethoven. Le summum de sa réussite à cet égard est sa transcription des neuf symphonies pour piano solo. Il s'agit là d'un exploit herculéen. Liszt acheva sa transcription de la Septième Symphonie en 1837 et il est très probable qu'il l'ait interprétée lors de ses tournées de concerts à travers l'Europe au cours des années suivantes. Les critiques ont souligné la remarquable fidélité des versions de Liszt à l'original. Liszt affirmait que le piano pouvait rendre « toute la richesse de l'orchestre » et « l'harmonie de 100 musiciens », et ses transcriptions de Beethoven reflètent parfaitement la structure, l'harmonie et la sonorité d'un orchestre à son meilleur.

Notes de programme par Larry Bent

À propos de l'artiste

À l'âge de 6 ans, alors qu'il vivait à Tchernihiv, en Ukraine, Illia Ovcharenko a été emmené par sa mère écouter une interprétation du premier concerto pour piano de Tchaïkovski. Après le concert, Illia a déclaré à sa mère qu'il voulait devenir pianiste quand il serait grand.

Aujourd'hui, à peine douze ans plus tard, Illia Ovcharenko est l'un des jeunes pianistes les plus célèbres au monde, donnant des concerts partout dans le monde.

Tout récemment, il a remporté le Concours international de piano Honens à Calgary, au Canada, un concours qui vise à identifier « l'artiste complet », c'est-à-dire une personne qui fait preuve d'une maîtrise technique, d'une persévérance face à l'adversité et d'une compréhension du texte musical à la fois intellectuelle et émotionnelle. Il a également remporté les premiers prix des concours Busoni et Horowitz.

Il n'y avait pas beaucoup de musique dans la maison d'Illia lorsqu'il était enfant. Sa mère est ingénieure en informatique et son père est athlète et entraîneur. Mais il y avait un vieux piano droit dans un coin du salon, et Illia a commencé à pianoter dès qu'il a pu atteindre les touches. Il a pris des cours de chant à l'âge de 6 ans, a commencé des études de piano à 9 ans et a donné son premier concert à 12 ans sur la scène de l'Orchestre philharmonique national d'Ukraine.

Ses parents n'étaient pas convaincus que la musique était une excellente voie professionnelle, mais ils l'ont encouragé dans sa réussite. À 13 ans, Illia est parti étudier à Kiev dans un lycée spécialisé pour musiciens doués, puis il s'est installé à Tel Aviv. Il vit actuellement à Hanovre, en Allemagne, où il termine un master avec son mentor de longue date, Arie Vardi. Parallèlement, Illia est depuis longtemps boursier de l'Académie internationale de musique du Liechtenstein.

Pour Illia, le piano est un véritable ami, qui parfois le remplit de joie, parfois lui sert d'analgésique. Le piano révèle qui il est, à lui-même et au public.

Il s'épanouit dans les concerts, où il a l'impression que deux âmes, la sienne et celle du compositeur, ne font plus qu'une sur scène. C'est dans le répertoire romantique qu'il se sent le plus à l'aise.

En dehors de la scène, Illia aime le sport (Roger Federer est son idole) et pratique l'origami.

À l'avenir, Illia espère combiner l'enseignement avec une carrière internationale de concertiste.

Il s'est produit en tant que soliste avec des orchestres tels que le Deutsche-Symphonie Orchester Berlin, l'Orchestre philharmonique d'Israël, l'Orchestre symphonique d'Edmonton, l'Orchestre philharmonique de San Antonio, l'Orchestre national d'Île-de-France, l'Orchestre de La Monnaie, l'Orchestre symphonique de Toronto, I Pomerrigi Musicali, Calgary Philharmonic, et en récital dans des salles telles que le Carnegie Hall, l'Elbphilharmonie Hamburg, le Konzerthaus Berlin, le Sendesaal à Hanovre, la Salle Bourgie à Montréal, le Koerner Hall à Toronto et la Salle Cortot à Paris.

Parmi les temps forts de la saison 2025-2026 d'Ovcharenko, citons des concerts au Wigmore Hall de Londres, à la Philharmonie de Paris, au Klavierfestival « Le Piano Symphonique » à Lucerne, en Suisse, avec l'Orchestre symphonique national de la radio polonaise à Katowice, en Pologne, au Concertgebouw d'Amsterdam, au Konzerthaus de Berlin, avec l'Orchestre symphonique de Nouvelle-Écosse et au Bravo! Vail Music Festival. Il partira également en tournée avec l'Orchestre national d'Île-de-France et l'Orchestre symphonique des jeunes d'Ukraine. La saison verra également la sortie de son premier enregistrement de concerto sous le label Pentatone. Son dernier album de récital, Litany, est sorti sous le label Discauvers ; Classique c'est cool a salué le « programme très intelligemment construit » d'Ovcharenko et la « technique parfaitement maîtrisée » du pianiste. L'album a également reçu cinq diapasons dans Diapason et a été salué par le magazine Pianiste.

« Je suis tellement heureux quand les gens m'entendent jouer et me disent que j'ai apporté quelque chose de nouveau dans leur vie ou que je leur ai permis d'oublier leurs soucis du moment », dit-il. « Jouer du piano est généralement un bien meilleur moyen de communiquer, car il y a quelque chose d'intime dans ce processus. »